SYLVIE SELIG
Cine Paradiso
PARÍS
SOLO SHOW
04.06-01.07.2026
1. TEXTO DE LA EXPOSICIÓN
Casi diecisiete años después de su primera presentación, Mor Charpentier reúne una vez más, con Cinema Paradiso, la serie de Sylvie Selig dedicada al séptimo arte. Compuesta por catorce pinturas realizadas entre 2002 y 2005, la serie rinde homenaje a los cineastas que han moldeado la imaginación del artista, desde Sofia Coppola hasta Wong Kar Wai, desde Alfred Hitchcock hasta Jean-Luc Godard, así como François Truffaut, Quentin Tarantino y David Lynch. Cinema Paradiso ofrece así la oportunidad de redescubrir un corpus esencial de la obra, en el que el cine se convierte a la vez en fuente de imágenes, territorio de memoria y espacio de proyección interior.
La idea de esta serie surge de una relación profundamente personal con el cine. Para Selig, las películas no son simplemente un repertorio de referencias, sino una materia viva, capaz de alimentar sueños y producir imágenes que perduran más allá de la pantalla. Uno de los primeros momentos decisivos provino de El barco va, de Federico Fellini, cuya escena final, un rinoceronte navegando en una barca hacia una misteriosa isla negra, le causó una profunda impresión e inspiró directamente una de sus pinturas. Posteriormente, envió una fotografía de la obra al propio Fellini, quien le respondió. Este intercambio parece haber abierto el camino a un proyecto más amplio: dedicar una serie de pinturas a los cineastas que habían desempeñado un papel fundamental en su imaginación.
En lugar de ilustrar sus películas o realizar simples retratos, Sylvie Selig construye su propio universo cinematográfico. Representa a los directores como personajes atrapados en sus propios escenarios, rodeados de escritores, artistas, compositores, diseñadores de vestuario y figuras ficticias que han nutrido o influido en sus obras. De este modo, teje conexiones entre cine, literatura, historia del arte y memoria personal, creando diálogos inesperados entre imágenes, textos y referencias. Sus pinturas funcionan como montajes, donde cada detalle da paso a otra historia.
La relación de la artista con el cine comenzó muy pronto, durante su infancia en Australia, donde se proyectaban películas europeas y estadounidenses en cines y festivales. Estas imágenes se convirtieron en parte de su formación visual, cultivando una sensibilidad en la que la ficción, la teatralidad y la memoria desempeñarían posteriormente un papel central. A los dieciséis años, acudió a un plató de cine en Melbourne para conocer a Elia Kazan y entrevistarlo para el programa de radio canadiense Bonjour Dimanche. Tras regresar a Francia en la década de 1960, se instaló en Saint-Germain-des-Prés, en el París de la Nouvelle Vague, donde Jules et Jim, Le Mépris y Les Enfants du paradis se convirtieron en referentes perdurables. Más tarde, en Nueva York, su participación en el Living Theatre la abrió al mundo de la dramaturgia, mientras que el cine experimental la interesó como «una forma de arte en sí misma», cercana a la experimentación formal, empírica y sensual de su propia obra.
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Estos catorce directores ocupan un lugar especial en su práctica, no porque conformen una historia objetiva del cine, sino porque pertenecen a lo que Sylvie Selig describe como la pantalla de su propio cine. Su selección sigue un íntimo juego de espejos, guiado por universos poéticos, violentos, extraños o mágicos capaces de resonar con su pintura. En Alfred Hitchcock, Patricia Highsmith y Edward Hopper aparecen como figuras esenciales en el universo literario y visual del director. En otros lugares, reúne a Quentin Tarantino, Takeshi Kitano y Yohji Yamamoto, creando conexiones entre cine, moda, violencia, gesto y estilo. Los cineastas, por lo tanto, no están representados desde fuera: son absorbidos, desplazados y recreados dentro del espacio mental de la pintura. Los textos que recorren los lienzos extienden este proceso de montaje. Citas de escritores, frases de películas y fragmentos literarios se conservan en sus idiomas originales y funcionan como ecos, a veces irónicos, siempre tiernos y admirativos. No pretenden explicar las películas, sino prolongar su atmósfera, introducir un ritmo de lectura en la imagen pintada y abrir nuevas capas de ficción. Mediante este diálogo entre texto e imagen, Selig afirma una posición singular: la de una pintora que también se convierte en directora, componiendo sus propias narrativas a partir de las huellas dejadas por el cine. La exposición incluye además una máquina imaginada por la artista, que extiende la conexión entre su inspiración cinematográfica y las obras que de ella emanan. Sobre un lienzo de diez metros de largo, puesto en movimiento por un dispositivo mecánico, la narrativa pintada de una historia de amor frustrada y redescubierta se despliega en un pergamino continuo. Tras regresar de Nueva York en la década de 1980, Selig se instaló en París cerca de la Place de Clichy y durante muchos años siguió yendo al cine casi a diario. Gradualmente, al dedicarse por completo a la pintura, este ritual dio paso a otra forma de proyección. El cine le ofreció imágenes, atmósferas, historias y figuras, pero también una forma de pensar la pintura como un espacio de montaje, desplazamiento e invención.
